Aunque la temática del blog es exclusivamente sobre cine, la idea del mismo nació de mi pasión por la música, nació pensado para publicar mis gustos musicales, tomó otro rumbo y el resto lo conocen. Desde hace dos años vengo publicando mi ranking musical, con los 13 mejores discos que escuché en los 365 días que ya se van. Quiero compartirlos con todos. Sin más preámbulos, repasemos entonces lo que considero es lo mas destacado, obedeciendo a mis gustos.

Menciones especiales: 

Deep Pulple - Now What! (Hard Rock). Una canción: Blood from a Stone 

Sirenia - Perils Of The Deep Blue (Gothic Metal).  Una canción: Cold Caress 
Legionarii -  Disciples Of The State (Neoclassical/Martial). Una pieza: Ordo Ab Chao
Corde Oblique - Per Le Strade Ripetute (Neofolk). Una canción: Due Melodie  
Tristania - Darkest White (Gothic Metal). Una canción: Himmelfall
Ēnu Kaleidoskops- U​-​hu! (Dark Folk). Una canción: Vella trubadūrs
Ayreon–The Theory Of Everything (Progressive). Canción :The Theory of Everything Part I 
Arrowwood - Beautiful Grave (Neofolk). Una canción: Greenwood Bird  
Snöhamn – Snöhamn (Post-Rock/Ambient). Una canción:  Dorr till vinter

Mejor EP

Inchiuvatu – INRI

Folk/Black Metal

País: Italia

Calificación: 10/10

Una canción: El Cireneo

El cierre de una trilogía formada por tres EP  iniciada con 33 (2008) y Ecce Homo(2011). Todos tienen como figura principal a Jesús. Estos italianos publicaron este EP a inicios de año, el viernes santo. 14 canciones que representan las 14 estaciones. Un estilo peculiar que pone música al doloroso camino de la figura central del cristianismo.

13 Mejores discos de 2013 

13. Satanic Ceremony - Satanic Ceremony

Dark Organ / Neoclassical

País: Alemania 

Calificación: 8.9/10 

Una pieza: Inspired by Hatred

Si existe el Gehena o Tártaro y alguien se encarga de la música, ese debe ser Satanic Ceremony. El responsable de llevarnos al infierno es Nazarene Slaughter, único miembro de este proyecto que hace su debut y que bebe de sus influencias de Bach. Son 8 piezas de dolor y maldad mientras la oscuridad devora el alma. El disco puede ser descargado gratuitamente de su página. 

12. Tears of Martyr - Tales 

Symphonic/Gothic Metal

País: España

Calificación: 9/10

Una canción: Of A Raven Born

Segundo y mejorado disco de esta banda española con una soprano a la cabeza. Intermedios instrumentales donde los violines preparan el terreno para destrozar nuestros oídos con la siguiente pieza. Orquestaciones potentes y  oscuras. Tears of Martyr está de regreso y lo hace por todo lo grande. 

11. ReVamp - Wild Card

Symphonic/ Gothic Metal

País: Países Bajos 

Calificación: 9/10

Una canción: Precibus

Floor Jansen. ¿Les suena ese nombre? Claro, fue la vocalista de la desaparecida After Forever, ahora convertida en la posible salvación de un moribundo y sin rumbo Nightwish. Canciones románticas, con coros pegajosos, algunas con marcadas influencias del power(hago una excepción). Lo que demuestra Jansen es que no dejará de evolucionar, su capacidad vocal en Wild Card, es impresionante, en este disco ella también interviene en las guturales. 

10. Shade Empire - Omega Arcane 

Symphonic/Black Metal

País: Finlandia

Calificación: 9.5/10

Una canción: Dawnless Days

Hablar de metal sinfónico es hablar de un estallido de bandas procedentes de casi todas partes del mundo, las bases están puestas, la mayoría de técnicas están marcadas, las comparaciones son inevitables y ganarse un lugar en el podio de lo "original" se vuelve cada día mas difícil. Shade Empire demuestra con este disco, que saben lo que hacen y hacia donde van. 

9. Nota Profana - The Devil's Playground 

Symphonic Gothic Metal

País: Venezuela

Calificación: 9.5/10

Una canción: Allegretto - Beethoven's 7th Symphony

Tras su excelente primer álbum Violent Whispers (2008), los venezolanos regresan recargados y con nueva vocalista, la soprano Gaby Koss (Ex-Haggard) acompaña a 10 músicos de diferentes orquestas de Venezuela integrando una de las mejores bandas latinas de metal sinfónico.  Hay que destacar las guturales que con esos poderosos riffs se mezclan delicadamente con el  piano, violín, viola y violoncelo. Un impresionante tributo a Beethoven y Mozart. 

8. Vastum - Patricidal Lust 

Death Metal

País: USA

Calificación: 9.5/10

Una canción: Enigma of Disgust

A sus espaldas solo tienen un demo de 2011. Suenan a la vieja escuela, Grave en sus influencias. Seis pistas dispuestas a cercenarnos, fatalidad, muerte y un miserable mundo. Disco monstruoso de principio a fin.

7. Gris -  À l'Âme Enflammée, l'Äme Constellée

Depressive/Atmospheric Black

País: Canadá

Calificación: 9.5/10

Una canción: Les Forges

Piano, violin y  chello acompañan en las pesadas y húmedas notas de un disco con una estructura que trasciende.  Se puede sentir el hedor a muerte y entonces llegó Gris, con su disco doble.  

6. Orphaned Land - All Is One

Oriental Metal/ Progressive

País: Israel

Calificación: 9.5/10 

Una canción: The Simple Man

Orphaned Land le da vuelta a todo  y regresa con un disco totalmente diferente a sus producciones anteriores. Para muchos (me incluyo) estos israelíes saltaron al conocimiento mundial gracias al documental Global Metal(2008). Instrumentos de oriente medio y todo el poder del metal se unen para formar una propuesta destacable y única.  Con letras llamando a la unidad, la hermandad y la paz entre pueblos árabe y judío, reflejado en su portada donde muestra unidos los símbolos del judaísmo, el islam y el cristianismo. Orphaned Land tiene mucho por recorrer. 

5. Mühr - Messiah 

Psychedelic/Drone Doom Metal

País: Países Bajos

Calificación: 10/10 

Hipnótico, es la palabra que puede describir este álbum. Son cuatro músicos que unen su talento para crear este disco que se traduce a una gloriosa canción de 47 minutos de duración. Un viaje psicodélico y extraño hacia lo desconocido. Con  Messiah, no hace falta decir mucho, solo escuchar y volar. 

4. Nachtreich - Trugbilder 

Neoclassical

País: Alemania

Calificación: 10/10

Una pieza: Traum(a)

Nachtreich  es un proyecto que mantiene su excelencia en su corta pero fructífera carrera. Escucharlos es algo indescriptible. Viola, piano y hermosas composiciones. Algo totalmente mágico. 

3. Narjahanam - Wa Ma Khufiya Kana A'atham 

Oriental Black Metal

País: Baréin

Calificación: 10/10

Una canción: Hushood Al Nar

De las legendarias tierras de Dilmun e inspirados en la  mitología y la cultura de Oriente Medio, surge esta banda que de poco se abre camino. En árabe Narjahanam significa: "El fuego del infierno." Formada por Mardus y Busac. Su estilo está bien mezclado con sonidos orientales similares a los empleados por Orphaned Land, de quienes aceptan su influencia. Hacer metal en oriente medio puede significar la muerte, estos músicos van contra corriente y ofrecen algo totalmente diferente, un enorme disco, una gran propuesta. 

2. Falkenbach - Asa 

Viking Metal/Folk

País: Islandia

Calificación: 10/10 

Una canción: Bluot Fuër Bluot

La mitología nórdica se hace presente con melodías poderosas, el back y folk se mezclan creando atmósferas mitológicas. Falkenbach es liderada por un solo hombre, un solo miembro es el responsable de todos los instrumentos, arreglos y voz. Vratyas Vakyas es el vikingo tras las creaciones,  enigmático y con creatividad envidiable, cada canción de este disco es un deleite.

El disco del año es... 

1. Avatarium – Avatarium 

Doom Metal
País: Suecia
Calificación: 10/10
Una canción: Avatarium 

Los últimos cinco discos tienen calificación perfecta, cualquier de ellos podría ser el mejor del año, pero he elegido el debut de Avatarium por su propuesta fresca y necesaria en estos días. Es el disco revelación de 2013.  ¿Blues, Doom y liderados por una mujer?  Jennie-Ann Smith es la responsable de poner la voz a este proyecto musical de Leif Edling, bajista y compositor del excelente proyecto Candlemass. Un Doom totalmente diferente y poderoso. Para este servidor, Avatarium es además de ser el mejor disco de Doom, es la mejor producción del año. 

“Cuando tiras una piedra al agua sucede algo, aparecen círculos, se extienden.”

El cine serbio se balancea entre historias trágicas como Beli, beli svet(2010), propuestas tan arriesgadas y controversiales como A Serbian Film(2010),  Klip(2012), The Life and Death of a Porno Gang(2009) o con temáticas sugerentes al racismo como Sisanje(2010). Después de mi escaso acercamiento con el cine serbio, toca reconocer que de la mezcla se obtiene un cine atrevido y digno de ver. 

El director Srdan Golubovic hizo su debut con la cinta Apsolutnih sto(2001) que lo llevaría a recorrer innumerables festivales cosechando buenas críticas y llamando la atención. El segundo largo  Klopka(2007) lo llevaría a la Berlinale donde ha regresado este año con la tercera de su filmografía que le valió el Premio del Jurado Ecuménico en la sección Forum, aunque su recorrido internacional se inició en Sundance donde ganó el Premio Especial del Jurado. La cinta toma un segmento oscuro de la región, y nos situamos específicamente en el año 1993, restos de la Yugoslavia socialista, un posible genocidio, odio y un conflicto que dejaría huellas profundas.  La historia toma como base la anécdota real del soldado serbio Srdjan Aleksic, quien salvó la vida de un civil  musulmán  agredido por un grupo de soldados serbios. El salvador tuvo que pagar con su vida, la cinta se enfoca en las consecuencias del acto 12 años después.  

Circles comienza con la escena de la que se nutre toda la historia, y con ello da inicio un juego muy ingenioso saltando en el tiempo para mostrar a los personajes de los cuales no sabemos nada, todo se deduce y en algunas ocasiones pueden hasta resultar predecibles no significando algo negativo, la narración es fluida y bien estructurada reflejando el buen trabajo de los guionistas, labor que ha corrido a cargo del mismo director y de Melina Pota Koljevic, con quien repite tras su trabajo en The Trap. En Circles hay que estar atentos a los pequeños detalles que pueden hacerla más disfrutable, todo está bien cuidado para envolver, las sorpresas no acaban.

 El único problema que veo en la cinta es que puede desesperar un poco por algunos segmentos de corte teatral y algunas reacciones que pueden tener salidas lógicas, aunque se haga lo contrario y puede invadir el sentimiento de incredulidad, aunque son realmente pocos. Las actuaciones son otro punto a destacar, en su mayoría son actores conocidos en el cine serbio – actúan en las cintas que mencionaba unos párrafos arriba- y aunque todos cumplen  hay que destacar a Aleksandar Bercek y   Nebojsa Glogovac, personajes que tienen que cargar con los conflictos internos  del pasado y luchar con el inminente futuro, acaban convenciendo con su discurso sincero y emotivo, en iguales condiciones - aunque en un apartado secundario- se desenvuelve  la actriz Jasna Djuricic, directa y convincente. Técnicamente hay que señalar una buena fotografía aunque el  montaje final se lleva todos los créditos, acompañados de planos  en lugares abiertos donde es visible el paso de la guerra. 

Estimulante cuando el pasado y el futuro se unen para plantear una consecuencia de décadas, producida por una pequeñez que acaba por fragmentar el mundo de los personajes. Se siente el odio, el dolor, las vidas fugitivas, los fantasmas del ayer  que rodean un presente lleno de dudas y resentimientos.  Y es así como la frase inicial – que da origen al título de la cinta- que  las cosas buenas muchas veces no crecen, no trascienden, se estancan se vuelven diminutos, casi inexistentes,  muy distinto a la uniformidad de los círculos formados en el agua. 

De la amistad, de las injusticias humanas y del temor, tan pacifica como tormentosa. Cinta provocadora que no los dejará indiferentes. 

Calificación: 7.5/10 

“Vivir es morir”

El gran Hong Sangsoo acaba de ganar el premio a Mejor Director en el Festival del Locarno 2013 por Our Sunhi, dos cintas por año y el surcoreano sigue deleitando con su pelicular  estilo. Con Nobody’s Daughter Haewon su decimoquinto largometraje, compitió por el Oso de Oro en la Berlinale 2013. Hong Sangsoo repite con Lee Sun-kyun, quien ya participó en sus anteriores Night and Day (2008), Lost in the Mountains(2009)  y Oki's Movie(2010), la hermosa Jung Eunchae debuta en el cine de Sangsoo y lo hace por todo lo alto. Ambos protagonistas dan vida a un profesor y director de cine casado, que mantiene una relación secreta con una de sus estudiantes. Haewon, es la encargada de narrar la historia, desde su propia percepción de los hechos. 

Hong Sangsoo comienza todo en sus cintas con algo tan simple como una caminata, un paseo por la ciudad, recorriendo las calles habitadas de recuerdos que sus personajes -todos relacionados con el cine- parecen descubrir como tesoros invaluables. En su cine, la palabra cliché no existe, a pesar de que las situaciones y personajes se repiten en sus producciones. Su amor por el cine pesa más, en Nobody’s Daughter Haewon una aspirante a actriz y un director de cine, son los encargados de mostrar un mundo melancólico, difícil y perturbador. 

Sangsoo plasma en sus cintas una simplicidad pero contrastando con mundo muy complejos, propiciando a situaciones que nos sacan de nuestra zona de confort. Los personajes principales y secundarios realizan excelentes actuaciones.  Jung Eunchae encarna a Haewon, una joven que escribe en su diario situaciones de las cuales no sabemos si son verídicas o simplemente están en su desbordante imaginación. Algo similar a lo que vimos en In Another Country(2012) donde la protagonista escribe nuevas historias, modificando elementos, moviendo piezas. 

Los personajes tienen un encanto casi mágico, que provocan sonreír al ver como sus miradas dicen mucho.  El alcohol y los cigarros son perfecta excusa para despertar sentimientos ocultos mientras el frío de Seúl propicia las reuniones. Sangsoo es un maestro en tramar momentos incómodos,  en humillar  a sus personajes y sacudir su mundo. En Nobody’s Daughter Haewon no hay secretos ni tranquilidad. Se trata de una pareja disfuncional que anhela libertad pero que su presente es el obstáculo para su futuro. El hermoso parque Namhansanseong es elegido para realizar descubrimientos y enterrar historias. El Allegratto de la Sinfonía No. 7 de Beethoven sirve para reír y llorar. Entre llamadas a Martin Scorsese y libros Norbert Elias, se vive de manera intensa. Amor, sexo, desprecio y la adaptación a los cambios, son algunos de los temas que se tratan en la cinta. 

Las risas son algo hermoso, pero cuando el momento llega,  no queda más que llorar tristemente mientras el mundo se cae a pedazos. 

Calificación: 7/10

“De la sociedad solo extraño el cesto de ropa sucia.” - Hasta el sol tiene manchas

Cuarto largometraje del guatemalteco Julio Hernández Cordón, uno de los realizadores más importantes de Centroamérica. Ganador de múltiples premios con Gasolina (2008),  Las Marimbas del Infierno (2010) y Polvo (2012), esta última nominada al Leopardo de Oro en  el Festival de Locarno 2012. Con “Hasta el sol tiene manchas”  el director pone punto final a su etapa centroamericana para volar al norte, a su vecino país México. Es un filme personal, se trata de una despedida y un recuento del cine pobre y con las uñas que ha realizado en su amada Guatemala. Un cine con historias comunes, con mucho compromiso social y denuncia, con planteamientos que desafían a todos los sectores sociales.

Filmada en todo amarillento, Hasta el sol tiene manchas sigue las andadas de dos amigos: Pepe Moco y Beto, el primero es un joven con discapacidad que hace propaganda por un candidato presidencial que promete llevar a Guatemala al mundial de fútbol (situación real). El segundo realiza graffitis en las paredes de la ciudad y asalta a las personas a pelotazos en la cabeza. 

La cinta que inicia con imágenes de archivo de los años 50, la época bananera y la revolución guatemalteca, se aleja del tradicionalismo narrativo combinando ficción, making-of, y poesía melancólica de un sol moribundo que se niega a salir para muchos. La película es un experimento teatral, recreando espacios en una ciudad donde abundan las denuncias de desaparecidos. Y aquí radica una de los puntos más destacables de la cinta.  El director ha decidido recrear de manera artificial y muy inteligente,  las calles, mercados y sonidos comúnmente encontrados. Dejando bien en claro que las limitaciones económicas no son obstáculo para realizar cine, contrariamente el resultado es algo interesante y bien desarrollado.

El parqueo de un Hotel, un cine donde exhiben películas porno,  una tienda de ropa, y una peluquería, son los lugares elegidos para que los bizarros personajes muestren todo su sentir. Paseándose con Dante,  Don Quijote u otros grandes del cine, vamos viendo a través de rótulos donde se nos explica (con mucho humor) algunos puntos, llegando a una especie de cátedra de cómo llegaría a ser ese cine, si se tuvieran muchos recursos. Y en cierto modo, se puede señalar una intensión oportunista, pedante, y hasta miserable. Pero obedece a una necesidad que puede ser llevada a ámbitos regionales, porque no solo en Guatemala la indiferencia es enemiga del arte, en la región centroamericana el fenómeno ataca igual. No en vano uno de sus personajes hace una sátira de los candidatos innovadores cuyas propuestas rozan lo absurdo. 

El ritmo es adecuado y cuando parece que ha entregado todo, termina sorprendiendo. “Hasta el sol tiene manchas” es una cinta provocadora y  sincera, pero muestra sobre todo el amor por el cine. Es necesario entonces, la construcción de un discurso que plasme el sentir de muchos. Entre el opio y el cine sucio, Julio espera que el sol, amarillo - como el tono en el que fue filmada-  y con su fuerza pueda salir en nuestros países.

Calificación: 7.5

Hace dos años el joven director Calvin Reeder presentaba su primer largometraje THE OREGONIAN(2011).Una original y desconcertante cinta con rasgos del cine de  David Lynch o  Alejandro Jodorowsky. Con The Rambler el realizador ha definido su camino y la temática de sus producciones, el filme nace de un cortometraje del mismo nombre, proyectado en Sundance 2008.  La cinta fue estrenada mundialmente en la Sección PARK CITY AT MIDNIGHT, del Festival de Sundance 2013, un apartado dedicado al género fantástico, terror y obras que desafían cualquier género. Como en su anterior cinta, todo comienza con un viaje. La historia sigue a un hombre conocido como The Rambler, después de ser liberado de la prisión emprende un viaje en busca de su hermano, pero mientras conduce por carreteras perdidas y pueblos olvidados, se encuentra frente a un extraño misterio.

Calvin Reeder no anda con rodeos, va directo al grano y como describe la sinopsis, las situaciones extrañas comienzan a aparecer inmediatamente. A diferencia de su antecesora, en The Rambler se aventura con una road movie cómica, que mezcla terror y una dosis más alta de gore. No sabría definir el género de la cinta pero tampoco importa, es una mezcla loca de todo, que termina con un viaje divertido y envidiable.

La música forma parte importante de la cinta y comenzamos a aprender que situación sigue después de escuchar cierta melodía, sabemos que algo  va a ocurrir, pero no se vuelve un cliché, la última palabra se ve totalmente opacada por la fuerza de las imágenes y el montaje de la cinta, todo es algo nuevo, cada escena es un aborto de originalidad que le imprime de manera acertada su realizador. La combinación de colores le da un toque a Serie B que seguro tocará el estómago de los que no estén familiarizados con este tipo de cine.

La cantidad de elementos que combina pudiera ser motivo de una saturación en la historia y aunque el director ha sabido conectar todo, me ha gustado más el tratamiento que tuvo The Oregonian.  El director repite con Lindsay Pulsipher, (protagonista de The Oregonian), sumado al actor Dermot Mulroney y  una pequeña intervención de Natasha Lyonne (hace lo que sabe hacer). En la cinta hay una historia de amor, obviamente no se trata de una historia común y corriente. Abundan los espacios abiertos y despoblados. Con los personajes secundarios repite la esencia de The Oregonian y es que parece que Jodorowsky se encargó del casting, gestos extraños, personas mutiladas. Fanáticos de Frankenstein, científicos locos, momias y luces extrañas, en The Rambler reina el caos. Una road movie para mentes retorcidas y con buen gusto. 

Calificación: 7.5/10

Mi primer encuentro con el cine del director húngaro Benedek Fliegauf, fue con su cinta Womb (2010), presentada en el Festival de Locarno, certamen donde en 2007 se alzó con Leopardo de Oro en la sección Cineastas del Presente, por su cinta Tejut/Milky Way. Un director habitual de los grandes festivales, incluyendo el Festival de cine de Mar del Plata donde ganó del Astor de Plata al Mejor Director y otras tres menciones más, por su cinta Dealer(2004). En 2003, su film Rengeteg, ganó el Premio Wolfgang Staudte de la sección Forum en la Berlinale. El realizador regresó a tierras alemanas para presentar Csak a Szél, doblegando completamente al jurado, quien le otorgó el segundo premio en importancia del palmarés, el Gran Premio del Jurado, adicionalmente se llevó premio Amnistía Internacional. La cinta está basada en acontecimientos reales ocurridos en Hungría entre 2008 y 2009. Un grupo de “cazadores”  que cometieron crímenes racistas en contra de familias gitanas. En los créditos iniciares se advierte que los sospechosos están siendo objeto de un proceso penal y que la cinta como tal, no es un documental. El filme sigue los pasos a  tres miembros de una familia romaní,  una mujer y sus dos hijos. 

El director deja atrás sus ideas de clonación para contar una historia sobre la  xenofobia que sufre la comunidad gitana en su país. Al igual que con su anterior, el realizador recurre a largos silencios que son bien aprovechados por la cámara que se encarga de retratar la cotidiana vida de sus personajes. La estructura sólida del filme se encarga de separar acertadamente el simple vivir de los miembros de una familia sumida en la pobreza y que subsiste con temor. Pero el director no solo los desintegra para contar historias secundarias, los vuelve a unir para formar la crónica que comparten. En el apartado actoral hay que destacar a Katalin Toldique encarna una madre pobre, con deseos de superación a pesar de sentir el odio de los demás, latente  y a  diario. El resto de personajes cumple altamente las expectativas y realizan buenas actuaciones. 

No hay violencia gráfica, pero se puede percibir en el ambiente algo oscuro, igual que las tonalidades que se retratan. Entre caminos abiertos y árboles se comienza a sospechar. A medida avanza en su metraje, la cinta comienza a rozar con el thriller.  Se llega a sentir miedo, como si se tratara de una cinta de terror, apoyada poderosamente de su banda sonora. La cinta tarda casi una hora en preparar el terreno e informarnos de la situación, para luego destrozarnos completamente. Es del tipo de película que  podemos adivinar como acabará, pero eso no impide disfrutarla o mejor dicho, sufrirla. El principal problema que veo en ella, es precisamente lo tedioso que se vuelve el camino y lo difícil que puede ser identificarse  con los personajes. La mirada del director,  en internacionalizar una realidad social del país, es uno de los atributos de la cinta que se convierte una denuncia pública ante la impunidad y  escalofriante al tratar de comprenderla. El realizador retrata un poco de espuma que se desintegra en el agua, tratando de suavizar el relato, pero da miedo. Duro filme que narra con crudeza los vientos de odio que corren en el corazón de Europa. 

Calificación: 7/10 

El director turco  L. Rezan Yesilbas estudió Cine y TV en la Universidad de Marmara, debutó con el corto "Hukum" proyectado en varios festivales y que forma parte de lo que él ha denominado "Trilogía de la Mujer”. El segundo corto de su trilogía, Sessiz - Be Deng fue presentado en el Festival de Cannes 2012,  el mismo ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje. El director ha escrito el guión y se ha encargado del montaje.

La cinta está ambientada en el año 1984 y tras un golpe de estado, la  prisión de Diyarbakir guarda muchos secretos. Zeynep , una mujer  que vive con sus tres hijos quiere visitar a su esposo en la cárcel. Sin embargo solo se permite hablar en turco, Zeynep solo es capaz de hablar kurdo por lo no puede pronunciar una palabra allí. Por otro lado, está prohibido llevar cualquier cosa a los presos.

Lo mágico y difícil de los cortometrajes es que en unos cuantos minutos el director debe lograr provocar sensaciones y quedarse en la mente de los espectadores aun cuando el poco tiempo ha pasado. El director juega delicadamente con situación en la que se desarrolla la historia. Sin recurrir a violencia explícita el director hace algunas referencias a la dura época en la que vive esta familia. El mismo título del corto invita a callar, a guardar silencio  y basta con ver las miradas de sus dos protagonistas para sentir lo que están sintiendo,  sin pronunciar palabra alguna. La prisión de Diyarbakir puede ser símbolo de acontecimientos oscuros, pero el director enfoca su cámara a una pequeña historia. La de una mujer valiente que desafía las restricciones del período. Una simple visita a una prisión es capaz de mostrar una historia profunda y bien realizada, un retrato sincero de una época trágica. 

Calificación: 7/10

Esta será una de esas reseñas difíciles, lo anterior porque es necesario hacer spoiler para describir y/o comentar algunos puntos clave u opiniones personales sobre la interpretación del filme. Pero con ánimos de no arruinar el buen momento que pasarán cuando la vean  – les estoy invitando obligatoriamente a hacerlo-  no haré spoiler. Realmente tomen esta entrada como una invitación. 

Casi nueve años han pasado desde que el matemático -  y ahora convertido en uno de los directores con más futuro-  Shane Carruth nos regalara una de las cintas más inquietantes de los últimos años: PRIMER (2004). Una película con un  presupuesto de $ 7000 y que le valió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance y de instantáneo culto entre cinéfilos. Su más reciente producción ha sido estrenada en el festival que lo descubrió y posteriormente presentada en la Sección Panorama de la Berlinale 2013. Con Upstream Color, Carruth repite protagonismo pues es el mismo quien escribe, dirige, produce, se encarga de la fotografía y música y finalmente actúa. 

Upstream Color, centra su historia en una pareja que se ve enredada en una extraña transferencia quirúrgica, formando parte de un organismo parásito misterioso, ambos comparten más cosas de las que ellos imaginan. 

Si es que existe una palabra para describir la cinta de Carruth, esa debe ser hipnótica. El director deja los conceptos físico-matemáticos para hacer un acercamiento casi exclusivo a la naturaleza.  Las referencias a  Walden - un ensayo de Henry David Thoreau- son recurrentes. Es dividir, compartir y experimentar ¿Para qué? Pues todo tiene una respuesta tras ponerse a meditar y armar el complejo rompecabezas de Carruth. Hay que estar muy  atentos a todos los detalles, hagan cuenta como si están en un examen. Una línea narrativa atemporal lo complica , el montaje vuelve todo muy confuso, es como si arrancáramos al azar algunas páginas de un libro y al final las integremos pero solo sean visibles por corto tiempo. Escasos diálogos, la cuestión es más contemplativa y los pocos que hay no ayudan mucho. 

En Upstream Color hay rasgos oníricos de Terrence Malick, también hay algo del horror corporal de David Cronenberg. Pero todo bien engranado y llegamos a lo que podría ser un estilo particular y único en el que se puede ver la influencia de su cinta PRIMER. El realizador transmite con sinceridad su planteamiento, que  convierte a la obra en  una propuesta estimulante sin caer en pretensiones. Malformaciones hechas con materia solar, gusanos, plantas, flores, drogas, experimentos. Un capturador de emociones, de pensamientos, de colores y sonidos, un espectador importante del mundo Carruth. Una historia de amor, de descubrimientos.  Upstream Color es desafiante, original y dejará pensando un poco. 

Calificación: 8.5/10

A Denis Côté lo conocí por su cinta Curling(2010) fue suficiente  para cautivarme con su cine, su manera de ver la vida, observado y retratando de manera natural los comportamientos humanos. Habitual con una cámara estática, lista para captar emociones y armar una pieza dispuesta a provocar. Bestiaire  fue presentada en el Festival de Sundance y seguidamente en la Sección Forum de la Berlinale 2012. 

En esta oportunidad el cineasta canadiense ha realizado un documental en que explora la naturaleza. El director ha elegido tres escenarios en el que los seres humanos y animales se encuentran en un punto en común. Un curso de dibujo, el Parque Safari de Quebec y un taller de taxidermia. Côté  utiliza un  lenguaje único, sin recurrir a rótulos que describan lo que estamos viendo y completamente ausente de diálogos, pero con una estructura cautivadora. 

Más allá de lo visual, se juega con la percepción que reflejan las  estructuras que desafían  desigualdades. Bestiaire  es una Le Quattro Volte (2010) canadiense, ambas exponen su interés por la naturaleza. Pero a diferencia de la cinta italiana la propuesta canadiense se torna más melancólica e introduce un elemento “artificial” que provoca remontarnos a  miles de años atrás pero  más importante aún, enfocar al hombre en un panorama actual. Al final ambas coinciden en narrar un ciclo casi poético.

En cualquiera de los escenarios surgirán preguntas y  reflexiones, pero en su mayoría todas apuntan al curso de la civilización misma, al dominio de algunos seres sobre otros. Como pasar de ser espíritus libres a criaturas educadas, de lucir eternamente joven, de vivir eternamente sin pedirlo, de lucir bien aunque se esté muerto. Los leones africanos viven un duro invierno canadiense, lucen nerviosos pero cómodos, adaptados a un ambiente distinto al de sus ancestros. Côté invita a reflexionar sobre el control y el poder. 

Bestiarie es una cinta llena de ruidos, hecha para meditar sobre la naturaleza y la civilización.  Un documental sin diálogos o como retratar las piernas nerviosas de las cebras, las hienas en sus jaulas, las pezuñas del rinoceronte, de manera poética.  Denis Côté  es capaz de filmar una silla por 30 minutos y hacerlo con belleza.

Calificación: 7/10 

El director ruso Kirill Serebrennikov comenzó su carrera exitosamente en la televisión, dirigiendo videos musicales y anuncios publicitarios.  Su primer largometraje Playing the Victim(2006) ganó el premio a Mejor película en el Festival de Roma. En 2008 su cinta Yuri's Day se llevó el Premio del Jurado y del Jurado Joven en el Festival de Locarno. Con su tercer largometraje viaja a tierras italianas para presentar su cinta Betrayal en el Festival de Venecia 2012, compitiendo por el León de Oro.  Fría, intrigante  y descarada cinta del director ruso, cuyo guión corre a cargo del mismo realizador. Nos sumerge en un juego peligroso, donde las emociones humanas son las que conducen a  lo profundo de nuestros deseos. 

La cinta narra la historia de un hombre y una mujer, dos conocidos casuales, se enteran de que sus respectivos cónyuges están teniendo una aventura. El descubrimiento desencadena una oleada de pensamientos y deseos ocultos.  El director comienza narrando con maestría el diario tormentoso de dos personas cuyo sentimiento de desconfianza no solo se respira en la cinta. Una total sensación de duda es la que provoca la división espacios y personajes que a primera instancia se ven a lo lejos, sin ser partícipes, pero que a medida avanza el metraje los roles y papeles son intercambiados para generar confusión y dudar de todo lo que se ve. El director ha eliminado los nombres de los personajes y cualquier adorno externo, se ha centrado únicamente en retratar sus vidas. 

Los cómplices de la demencial cinta son los actores Franziska Petri y Dejan Lilic que realizan excelentes actuaciones. Eso sí, las miradas y gran parte del peso de la cinta recae sobre Petri, que  realiza  una soberbia actuación, capaz de desviar emociones. Una mención especial también para la actriz Guna Zarina que con una corta participación encarna a un agente policial, un personaje duro, tosco y convincente.  

La cinta es dinámica y provocadora manejando de manera discreta el erotismo. Vergüenza, dolor y compasión es acompañado de un mundo que lentamente se destruye solo con describir, sin necesidad de ver, la cinta le apuesta a la imaginación. La frías tierras rusas son retratadas elegantemente por  Oleg Lukichev, responsable de  la fotografía. El director introduce poco a poco un ambiente misterioso y oscuro, donde puede exponer la psicología de los personajes haciendo unas transiciones impecables e intensas acompañadas de situaciones casi sobrenaturales. 

Los personajes son manipulados como piezas de ajedrez, dispuestas en callejones sin salida o con oportunidades de hacer una jugada. Si favorece o no, es lo que menos interesa a Serebrennikov, la tarea es para los espectadores. Palpitante y original comienzo que se prolonga hasta la primera hora, después de eso el relato comienza a perder intensidad. Culpa, arrepentimiento, pasillos estrechos, colores rojizos y pasos ruidosos acompañados de un tratamiento enfermizo y puramente psicológico a lo Ingmar Bergman. Es la interesante propuesta de este realizador ruso del cual hay que estar pendientes. 

Calificación: 6.5/10 

17 cintas fueron presentadas en la sección Un Certain Regard, de 15 diferentes países entre las que figuraban 6 óperas primas. The Bling Ring de  Sofia Coppola fue la encargada de inaugurar la sección. El jurado presidido por el director Thomas VINTERBERG y compuesto por  la actrices ZHANG Ziyi,  Ludivine SAGNIER,  Ilda SANTIAGO encargada del Festival de Rio y el español Enrique GONZALEZ MACHO.

El máximo galardón ha sido para L'image manquante (The Missing Picture) de Rithy Panh. El documental recrea con figuras de archilla lo ocurrido entre 1975 y 1979, el genocidio de Camboya que cobró la vida de alrededor de 2 millones de personas.  FRUITVALE STATION,  la gran ganadora del festival de Sundance 2013 se ha llevado el Premio del futuro

La cinta mexicana La jaula de oro de Diego Quemada-Díez, ganó el Premio a Mejor Elenco. La película se alzó también con  el Premio Gillo Pontecorvo. Los organizadores resaltaron el empeño social, el vigor narrativo y la frescura cinematográfica del filme.

Premio  Un Certain Regard: L'IMAGE MANQUANTE , de Ruthy Panh.

Premio Especial del Jurado: OMAR de Hany Abu-Assad

Mejor director: Alain GUIRAUDIE  por STRANGER BY THE LAKE

Mejor elenco: LA JAULA DE ORO de Diego QUEMADA-DIEZ

Premio del Futuro: FRUITVALE STATION de Ryan COOGLER

Premios FIPRESCI

La Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI ) otorgó el premio de la crítica Internacional de  la sección oficial al tunecino Abellatif Kechiche por su cinta La vie d'Adèle,  la organización destaco  la humanidad de la historia  que narra la relación entre dos mujeres, la cinta es la gran favorita para alzarse con la Palma de Oro del festival.

Sección Oficial: La vie d'Adèle (Francia), de Abellatif Kechiche

Un Certain Regard: Manuscripts Don’t Burn (Irán), de Mohammad Rasoulof

Quincena de los Realizadores: Blue Ruin (EE.UU.), de Jeremy Saulnier

Premios del Jurado Ecuménico

Premio Signi: Le passé (Francia), de Asghar Farhadi

Mención Especial: Miele (Italia), de Valeria Golino; y Like Father, Like Son, de Hirokazu Kore-eda

La selección Cinéfondation

18 filmes fueron escogidos para el premio de la Cinéfondation del Festival de Cannes, entre Los tres primeros lugares reciben  15.000, 11.500 y 7.500 euros respectivamente. El primer lugar es además presentado en Cannes, esta sección consagrada a descubrir a jóvenes cineastas. 

El jurado de la selección presidido por Jane Campion y conformado por Maji-da Abdi, Nicoletta Braschi, Nandita Das y Semih Kaplanoglu entregaron el primer premio a "Needle", de  por Anahita Ghazvinizadeh (The School of the Art Institute of Chicago, Estados Unidos); "Waiting for the Traw"(En attendant le dégel), de Sarah Hirtt fue la segunda ganadora , (INSAS, Bélgica) y el 3er premio ex-aequo fue para las cintas "In Acvariu" (In the Fishbowl), de Tudor Cristian (JURGIU UNATC, Rumania; "Pandy" (Pandas), por Matúš Vizár (FAMU, República Checa).

Ganadores  selección de Cinéfondation

Primer Premio de la Cinéfondation: NEEDLE, dirigida por Anahita Ghazvinizadeh

Segundo Premio de la Cinéfondation: WAITING FOR THE TRAW (En attendant le dégel) de Sarah Hirtt 

Tercer Premio de la Cinéfondation:  IN ACVARIU (In the Fishbowl), de Tudor Cristian,  PANDY(Pandas), por Matúš Vizár