El director turco  L. Rezan Yesilbas estudió Cine y TV en la Universidad de Marmara, debutó con el corto "Hukum" proyectado en varios festivales y que forma parte de lo que él ha denominado "Trilogía de la Mujer”. El segundo corto de su trilogía, Sessiz - Be Deng fue presentado en el Festival de Cannes 2012,  el mismo ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje. El director ha escrito el guión y se ha encargado del montaje.

La cinta está ambientada en el año 1984 y tras un golpe de estado, la  prisión de Diyarbakir guarda muchos secretos. Zeynep , una mujer  que vive con sus tres hijos quiere visitar a su esposo en la cárcel. Sin embargo solo se permite hablar en turco, Zeynep solo es capaz de hablar kurdo por lo no puede pronunciar una palabra allí. Por otro lado, está prohibido llevar cualquier cosa a los presos.

Lo mágico y difícil de los cortometrajes es que en unos cuantos minutos el director debe lograr provocar sensaciones y quedarse en la mente de los espectadores aun cuando el poco tiempo ha pasado. El director juega delicadamente con situación en la que se desarrolla la historia. Sin recurrir a violencia explícita el director hace algunas referencias a la dura época en la que vive esta familia. El mismo título del corto invita a callar, a guardar silencio  y basta con ver las miradas de sus dos protagonistas para sentir lo que están sintiendo,  sin pronunciar palabra alguna. La prisión de Diyarbakir puede ser símbolo de acontecimientos oscuros, pero el director enfoca su cámara a una pequeña historia. La de una mujer valiente que desafía las restricciones del período. Una simple visita a una prisión es capaz de mostrar una historia profunda y bien realizada, un retrato sincero de una época trágica. 

Calificación: 7/10

Esta será una de esas reseñas difíciles, lo anterior porque es necesario hacer spoiler para describir y/o comentar algunos puntos clave u opiniones personales sobre la interpretación del filme. Pero con ánimos de no arruinar el buen momento que pasarán cuando la vean  – les estoy invitando obligatoriamente a hacerlo-  no haré spoiler. Realmente tomen esta entrada como una invitación. 

Casi nueve años han pasado desde que el matemático -  y ahora convertido en uno de los directores con más futuro-  Shane Carruth nos regalara una de las cintas más inquietantes de los últimos años: PRIMER (2004). Una película con un  presupuesto de $ 7000 y que le valió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance y de instantáneo culto entre cinéfilos. Su más reciente producción ha sido estrenada en el festival que lo descubrió y posteriormente presentada en la Sección Panorama de la Berlinale 2013. Con Upstream Color, Carruth repite protagonismo pues es el mismo quien escribe, dirige, produce, se encarga de la fotografía y música y finalmente actúa. 

Upstream Color, centra su historia en una pareja que se ve enredada en una extraña transferencia quirúrgica, formando parte de un organismo parásito misterioso, ambos comparten más cosas de las que ellos imaginan. 

Si es que existe una palabra para describir la cinta de Carruth, esa debe ser hipnótica. El director deja los conceptos físico-matemáticos para hacer un acercamiento casi exclusivo a la naturaleza.  Las referencias a  Walden - un ensayo de Henry David Thoreau- son recurrentes. Es dividir, compartir y experimentar ¿Para qué? Pues todo tiene una respuesta tras ponerse a meditar y armar el complejo rompecabezas de Carruth. Hay que estar muy  atentos a todos los detalles, hagan cuenta como si están en un examen. Una línea narrativa atemporal lo complica , el montaje vuelve todo muy confuso, es como si arrancáramos al azar algunas páginas de un libro y al final las integremos pero solo sean visibles por corto tiempo. Escasos diálogos, la cuestión es más contemplativa y los pocos que hay no ayudan mucho. 

En Upstream Color hay rasgos oníricos de Terrence Malick, también hay algo del horror corporal de David Cronenberg. Pero todo bien engranado y llegamos a lo que podría ser un estilo particular y único en el que se puede ver la influencia de su cinta PRIMER. El realizador transmite con sinceridad su planteamiento, que  convierte a la obra en  una propuesta estimulante sin caer en pretensiones. Malformaciones hechas con materia solar, gusanos, plantas, flores, drogas, experimentos. Un capturador de emociones, de pensamientos, de colores y sonidos, un espectador importante del mundo Carruth. Una historia de amor, de descubrimientos.  Upstream Color es desafiante, original y dejará pensando un poco. 

Calificación: 8.5/10

A Denis Côté lo conocí por su cinta Curling(2010) fue suficiente  para cautivarme con su cine, su manera de ver la vida, observado y retratando de manera natural los comportamientos humanos. Habitual con una cámara estática, lista para captar emociones y armar una pieza dispuesta a provocar. Bestiaire  fue presentada en el Festival de Sundance y seguidamente en la Sección Forum de la Berlinale 2012. 

En esta oportunidad el cineasta canadiense ha realizado un documental en que explora la naturaleza. El director ha elegido tres escenarios en el que los seres humanos y animales se encuentran en un punto en común. Un curso de dibujo, el Parque Safari de Quebec y un taller de taxidermia. Côté  utiliza un  lenguaje único, sin recurrir a rótulos que describan lo que estamos viendo y completamente ausente de diálogos, pero con una estructura cautivadora. 

Más allá de lo visual, se juega con la percepción que reflejan las  estructuras que desafían  desigualdades. Bestiaire  es una Le Quattro Volte (2010) canadiense, ambas exponen su interés por la naturaleza. Pero a diferencia de la cinta italiana la propuesta canadiense se torna más melancólica e introduce un elemento “artificial” que provoca remontarnos a  miles de años atrás pero  más importante aún, enfocar al hombre en un panorama actual. Al final ambas coinciden en narrar un ciclo casi poético.

En cualquiera de los escenarios surgirán preguntas y  reflexiones, pero en su mayoría todas apuntan al curso de la civilización misma, al dominio de algunos seres sobre otros. Como pasar de ser espíritus libres a criaturas educadas, de lucir eternamente joven, de vivir eternamente sin pedirlo, de lucir bien aunque se esté muerto. Los leones africanos viven un duro invierno canadiense, lucen nerviosos pero cómodos, adaptados a un ambiente distinto al de sus ancestros. Côté invita a reflexionar sobre el control y el poder. 

Bestiarie es una cinta llena de ruidos, hecha para meditar sobre la naturaleza y la civilización.  Un documental sin diálogos o como retratar las piernas nerviosas de las cebras, las hienas en sus jaulas, las pezuñas del rinoceronte, de manera poética.  Denis Côté  es capaz de filmar una silla por 30 minutos y hacerlo con belleza.

Calificación: 7/10 

El director ruso Kirill Serebrennikov comenzó su carrera exitosamente en la televisión, dirigiendo videos musicales y anuncios publicitarios.  Su primer largometraje Playing the Victim(2006) ganó el premio a Mejor película en el Festival de Roma. En 2008 su cinta Yuri's Day se llevó el Premio del Jurado y del Jurado Joven en el Festival de Locarno. Con su tercer largometraje viaja a tierras italianas para presentar su cinta Betrayal en el Festival de Venecia 2012, compitiendo por el León de Oro.  Fría, intrigante  y descarada cinta del director ruso, cuyo guión corre a cargo del mismo realizador. Nos sumerge en un juego peligroso, donde las emociones humanas son las que conducen a  lo profundo de nuestros deseos. 

La cinta narra la historia de un hombre y una mujer, dos conocidos casuales, se enteran de que sus respectivos cónyuges están teniendo una aventura. El descubrimiento desencadena una oleada de pensamientos y deseos ocultos.  El director comienza narrando con maestría el diario tormentoso de dos personas cuyo sentimiento de desconfianza no solo se respira en la cinta. Una total sensación de duda es la que provoca la división espacios y personajes que a primera instancia se ven a lo lejos, sin ser partícipes, pero que a medida avanza el metraje los roles y papeles son intercambiados para generar confusión y dudar de todo lo que se ve. El director ha eliminado los nombres de los personajes y cualquier adorno externo, se ha centrado únicamente en retratar sus vidas. 

Los cómplices de la demencial cinta son los actores Franziska Petri y Dejan Lilic que realizan excelentes actuaciones. Eso sí, las miradas y gran parte del peso de la cinta recae sobre Petri, que  realiza  una soberbia actuación, capaz de desviar emociones. Una mención especial también para la actriz Guna Zarina que con una corta participación encarna a un agente policial, un personaje duro, tosco y convincente.  

La cinta es dinámica y provocadora manejando de manera discreta el erotismo. Vergüenza, dolor y compasión es acompañado de un mundo que lentamente se destruye solo con describir, sin necesidad de ver, la cinta le apuesta a la imaginación. La frías tierras rusas son retratadas elegantemente por  Oleg Lukichev, responsable de  la fotografía. El director introduce poco a poco un ambiente misterioso y oscuro, donde puede exponer la psicología de los personajes haciendo unas transiciones impecables e intensas acompañadas de situaciones casi sobrenaturales. 

Los personajes son manipulados como piezas de ajedrez, dispuestas en callejones sin salida o con oportunidades de hacer una jugada. Si favorece o no, es lo que menos interesa a Serebrennikov, la tarea es para los espectadores. Palpitante y original comienzo que se prolonga hasta la primera hora, después de eso el relato comienza a perder intensidad. Culpa, arrepentimiento, pasillos estrechos, colores rojizos y pasos ruidosos acompañados de un tratamiento enfermizo y puramente psicológico a lo Ingmar Bergman. Es la interesante propuesta de este realizador ruso del cual hay que estar pendientes. 

Calificación: 6.5/10 

17 cintas fueron presentadas en la sección Un Certain Regard, de 15 diferentes países entre las que figuraban 6 óperas primas. The Bling Ring de  Sofia Coppola fue la encargada de inaugurar la sección. El jurado presidido por el director Thomas VINTERBERG y compuesto por  la actrices ZHANG Ziyi,  Ludivine SAGNIER,  Ilda SANTIAGO encargada del Festival de Rio y el español Enrique GONZALEZ MACHO.

El máximo galardón ha sido para L'image manquante (The Missing Picture) de Rithy Panh. El documental recrea con figuras de archilla lo ocurrido entre 1975 y 1979, el genocidio de Camboya que cobró la vida de alrededor de 2 millones de personas.  FRUITVALE STATION,  la gran ganadora del festival de Sundance 2013 se ha llevado el Premio del futuro

La cinta mexicana La jaula de oro de Diego Quemada-Díez, ganó el Premio a Mejor Elenco. La película se alzó también con  el Premio Gillo Pontecorvo. Los organizadores resaltaron el empeño social, el vigor narrativo y la frescura cinematográfica del filme.

Premio  Un Certain Regard: L'IMAGE MANQUANTE , de Ruthy Panh.

Premio Especial del Jurado: OMAR de Hany Abu-Assad

Mejor director: Alain GUIRAUDIE  por STRANGER BY THE LAKE

Mejor elenco: LA JAULA DE ORO de Diego QUEMADA-DIEZ

Premio del Futuro: FRUITVALE STATION de Ryan COOGLER

Premios FIPRESCI

La Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI ) otorgó el premio de la crítica Internacional de  la sección oficial al tunecino Abellatif Kechiche por su cinta La vie d'Adèle,  la organización destaco  la humanidad de la historia  que narra la relación entre dos mujeres, la cinta es la gran favorita para alzarse con la Palma de Oro del festival.

Sección Oficial: La vie d'Adèle (Francia), de Abellatif Kechiche

Un Certain Regard: Manuscripts Don’t Burn (Irán), de Mohammad Rasoulof

Quincena de los Realizadores: Blue Ruin (EE.UU.), de Jeremy Saulnier

Premios del Jurado Ecuménico

Premio Signi: Le passé (Francia), de Asghar Farhadi

Mención Especial: Miele (Italia), de Valeria Golino; y Like Father, Like Son, de Hirokazu Kore-eda

La selección Cinéfondation

18 filmes fueron escogidos para el premio de la Cinéfondation del Festival de Cannes, entre Los tres primeros lugares reciben  15.000, 11.500 y 7.500 euros respectivamente. El primer lugar es además presentado en Cannes, esta sección consagrada a descubrir a jóvenes cineastas. 

El jurado de la selección presidido por Jane Campion y conformado por Maji-da Abdi, Nicoletta Braschi, Nandita Das y Semih Kaplanoglu entregaron el primer premio a "Needle", de  por Anahita Ghazvinizadeh (The School of the Art Institute of Chicago, Estados Unidos); "Waiting for the Traw"(En attendant le dégel), de Sarah Hirtt fue la segunda ganadora , (INSAS, Bélgica) y el 3er premio ex-aequo fue para las cintas "In Acvariu" (In the Fishbowl), de Tudor Cristian (JURGIU UNATC, Rumania; "Pandy" (Pandas), por Matúš Vizár (FAMU, República Checa).

Ganadores  selección de Cinéfondation

Primer Premio de la Cinéfondation: NEEDLE, dirigida por Anahita Ghazvinizadeh

Segundo Premio de la Cinéfondation: WAITING FOR THE TRAW (En attendant le dégel) de Sarah Hirtt 

Tercer Premio de la Cinéfondation:  IN ACVARIU (In the Fishbowl), de Tudor Cristian,  PANDY(Pandas), por Matúš Vizár

La Quincena fue creada en 1969 para mostrar un "cine diferente" al de la selección oficial. La prestigiosa sección paralela en su 45 edición ha premiado a la cinta francesa Les Garçons et Guillaume, à table! (Me Myself and Mum) de Guillaume Gallienne. El jurado  compuesto por Uga Sniegowska, Anne-Juliette Jolivet y Thorsten Kleinschmidt ha otorgado el Art Cinema Award que ayuda a la difusión de la cinta. También se ha alzado con el Premio SACD que se otorga a una cinta francesa entre las películas seleccionadas. La ópera prima de Gallienne narra la historia de un hombre que pretende convertirse en hombre pero que su ambiente y madre parecen estar en su contra, la cinta está basada en su obra de teatro homónima.

El premio Europa Cinemas Label ha sido para  The Selfish Giant  de la directora británica Clio Barnard.  Con una atmósfera oscura y una trama social, la cinta narra la historia de  dos adolescentes de 14 años, excluidos del colegio y aislados de su comunidad, ambos amigos empiezan a robar chatarra, ambos empiezan a transformase en seres despiadados. En la sección de cortometrajes  han sido premiadas Gambozinos  (Dahus / A Wild Goose Chase) de  João Nicolau. Pouco mais de um mês de André Novais Oliveira se ha llevado una mención especial. 

La sección que fue inaugurada por The Congress, la nueva cinta de  Ari Folman. Latinoamérica se va con las manos vacías a pesar que contaba con tres directores chilenos en competencia.  Alejandro Jodorowsky presentó su autobiografía mostrada en un universo peculiar como solo los grandes pueden hacerlo. La danza de la realidad representa el gran regreso  del director de culto chileno, que tras 23 años sin rodar ha sorprendido a la crítica. Se ha presentado también el documental Jodorowsky’s Dune del estadounidense Frank Pavich que cuenta las ambiciones Jodorowsky  por adaptar  Dune, la novela de ciencia ficción de Frank Herbert. La mejor película jamás filmada tenía en su reparto a David Carradine, Mick Jagger, Salvador Dalí, Orson Welles y con 10 horas de duración. 

Ganadores de  la Quincena de los Realizadores

Largometrajes

 Art Cinema Award: LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE! (Me Myself and Mum) de Guillaume Gallienne.

Label Europa Cinemas: THE SELFISH GIANT de Clio Barnard. 

Prix SACD: LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE! (Me Myself and Mum) de Guillaume Gallienne.

Cortometrajes

GAMBOZINOS (Dahus / A Wild Goose Chase) de João Nicolau (Portugal) 

Mención especial: À POUCO MAIS DE UM MÊS (Un peu plus d’un mois / About A Month) de André Novais Oliveira.(Brasil)

La sección paralela del Festival de Cannes ha dictado sus ganadores. El jurado de la 52ª Semana de la Crítica, ha otorgado el gran premio a la cinta  SALVO, de los italianos Fabio Grassadonia y Antonio Piazza, la cinta se convierte en la sucesora de AQUÍ Y ALLÁ del realizador Antonio Méndez Esparza, que se alzó con el mismo premio en la edición de 2012. El jurado presidido por el director portugués Miguel Gomes, ha destacado la audacia de los jóvenes directores. La película que fue la encargada de inaugurar la sección,  también se ha alzado con el premio revelación. Cuenta la historia de un asesino de la mafia siciliana, que se ve envuelto en una violenta relación con una mujer ciega en un tormentoso descenso al infierno. 

Un nuevo triunfo para el cine latino, la película argentina Los dueños, de  Agustín Toscano y Ezequiel Radusky, se han llevado una mención especial. El filme narra las tensiones de la dueña de una casa y un grupo de peones que cuidan la propiedad. La ópera prima de los argentinos aspira a la Cámara de Oro. El resto de premios han ido a parar a Canadá, Alemania y Suecia. 

A continuación la lista completa con todos los ganadores. 

Largometrajes

Gran Premio de la Semana de la Crítica: SALVO, de Fabio Grassadonia & Antonio Piazza 

Mención Especial: LOS DUEÑOS, de Ezequiel Radusky y Agustín Toscano

France 4 Visionary Award: SALVO, de Fabio Grassadonia & Antonio Piazza 

Prix SACD:  LE DÉMANTÈLEMENT, de Sébastien Pilote

Cortometrajes

Discovery Award for short film: COME AND PLAY by Daria Belova

Canal + Award: PLEASURE de Ninja Thyberg

Es la más reciente cinta del director mexicano Luis Mandoki. Un realizador con  una trayectoria que incluye muestras y festivales reconocidos, gran parte de sus cintas han sido producciones estadounidenses. Solamente he visto Voces Inocentes (2004), ganadora del Oso de Cristal en la sección 14Plus, de la Berlinale 2005. La vida precoz y breve de Sabina Rivas se estrenó mundialmente en la 57ª Semana Internacional de Cine de Valladolid -Seminci 2012. Donde obtuvo el premio a Mejor Actriz para la joven protagonista Greisy Mena. Actualmente lidera con 11 nominaciones los 55 Premios Ariel, incluyendo mejor director, aunque quedó fuera de la competencia como mejor película.

Aprovechando que hace unos días he visto la película mexicana AQUÍ Y ALLÁ, he decidido seguir la línea de cintas que de alguna forma denuncian la situación precaria que viven muchas personas en el área rural en Centroamérica y México. Hago la relación porque ambas tocan el tema de migración, pero la propuesta de Mandoki es una denuncia con una carga visual fuerte que  no cesará. La cinta basada en la novela 'La Mara' de Rafael Ramírez Heredia, narra la historia de Sabina Rivas, una niña hondureña que pretende llegar a los Estados Unidos y sueña con ser una gran cantante. En su viaje es atrapada en la frontera México-Guatemala por las redes de trata de personas. 

La cinta se inicia con un ritual de iniciación muy tradicional entre las maras,  que representan actualmente una amenaza social por la violencia que generan. El Salvador, Honduras, México y Guatemala se enfrentan con estas pandillas juveniles, poblada por personas que en condición de marginalidad buscan una salida fácil a la crisis, convertidas en instituciones ilegales que controlan en territorios delimitados por ellos mismos. Producto de la incompetencia de los gobiernos. 

El director retrata en el panorama fronterizo nada más que la realidad que viven miles de centroamericanos que son  extorsionados y secuestrados en su camino al sueño americano. Miles de historias a orillas del  ferrocarril. 

Durante 114 minutos, la cinta muestra imágenes crudas, gritos y  miradas llenas de odio, tristeza, humillación, venganza y celos. Claramente se trata de un filme que denuncia la complicidad entre la policía, pandillas, narcotráfico y redes de prostitución. Una factura técnica destacable, que se vuelve un deleite con giros intrépidos que asombran. Bien acertados son algunos toques de comedia que funcionan en momentos donde la tensión está al límite. En el apartado actoral hay que destacar a su protagonista, Greisy Mena. Basta con ver fijamente sus ojos, para creernos su historia, su actuación es quizás lo más destacable del film. Lo que no se puede creer es que sea hondureña, el director vuelve a fallar como ya lo hizo antes con Voces Inocentes, la actriz de origen venezolano no tiene el acento catracho, algo que muchos tomarán como secundario pero hay que mencionarlo. Destacar también la actuación de Angelina Peláez, que interpreta a la matrona de un prostíbulo y cuyo carácter fuerte y cínico merece aplaudir. 

El director pone en la boca de algunos personajes,  una sugerente propuesta que bien podría interpretarse como la voz de los que conocen de la situación pero no se atreven a hablar. Aunque un discurso redentor comienza a quitarle seriedad a la cinta, tornándose dramática. Hay algunos personajes que pueden desconectar de la historia. Y una historia de amor de lo más aburrida, que pudo suprimirse pues no aporta nada y termina jugando en su contra  y aportando rasgos telenovelescos. Es violenta, denuncia e impacta, pero la cinta como tal no guarda esa esencia para volverla especial y terminar de sorprender. Que justamente es su violencia explícita lo que puede causar más impresiones que el desarrollo de la misma. 

La vida precoz y breve de Sabina Rivas es una Sin Nombre(Cary Fukunaga, 2009) con más violencia y guarda un poderoso parecido - sin ser tan buena-  con la brasileña Anjos do sol(Rudi Lagemann, 2006). Es una cinta incomoda en casi todo su metraje, que pudo ser algo grande pero se queda como una película valiente de denuncia, que debe ser exhibida en festivales de Derechos Humanos. 

Calificación: 4.5/10 

Formado en Estados Unidos, el cineasta de origen español Antonio Méndez Esparza dirige en tierras mexicanas su ópera prima AQUÍ Y ALLÁ, una coproducción entre México, España y Estados Unidos. La cinta ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes 2012. 

El cine latinoamericano busca retratar en sus cintas, la realidad que viven sus pueblos. El realizador madrileño Antonio Méndez se ha internado en un pueblo en el estado de Guerrero, uno de los sectores más pobres de México. La situación de los pobladores puede extenderse a otros países centroamericanos que a falta de empleo que genere ingresos, tienen que buscar un camino nada fácil pero que se vuelve la única salida, es el norte, especie de tierra prometida por la cual se debe dejar todo, incluyendo los seres queridos.

La historia sigue a un hombre que regresa a su pueblo, en La Montaña en el estado de Guerrero, México. Después de trabajar en Estados Unidos vuelve con su familia, su esposa lo espera con una sonrisa, sus hijas han crecido y juntos tratarán de perseguir sus sueños en su tierra natal. 

AQUÍ Y ALLÁ es una historia sobre la esperanza que guardan las personas soñadoras. Una historia sobre la migración y el proceso de readaptación familiar después de una larga ausencia. Este último apartado es bien retratado y aunque no se necesitan muchos estudios para deducir el comportamiento de las personas, la proyección es creíble. Una estética – a veces pesada-  que juega con el documental en la que abundan los planos fijos, no hacen falta decorados pues se captura fielmente la cultura rural.

Entre situaciones cotidianas los actores no profesionales se interpretan a ellos mismos. La carencia de profesionales se hace sentir y aunque las actuaciones de los protagonistas  infantiles están bien, en general el apartado actoral se vuelve poco creíble. Personajes que parecen salir para no conectarse con la audiencia. Todo lo contrario sucede con las historias secundarias, que guardan un encanto simplista creado por sus personajes, pero que a la vez se vuelve un arma de doble filo al expandir el tema principal como un virus que acaba por ahogar las buenas intenciones. 

La realidad está allí, pero no se transmite tan bien como lo que se deduce y en ese punto la cinta falla. Faltó algo de emoción, todo es muy plano, cerrado y no tenemos oportunidad de entrar y ser partícipes. La representación de un ciclo (El regreso, Aquí, El Horizonte, Allá) se vuelve una herramienta casi inútil que no aporta mucho. Eso sí, AQUÍ Y ALLÁ destaca sobre otras cintas que retratan la migración latina por ser atrevida y no recurrir a los típicos efectos violencia/muerte para despertar emoción. Al contrario y sin ser tan pretenciosa relata lo que realmente viven miles de campesinos que buscan su aquí más allá de la frontera. 

Calificación: 5/10