El festival contará con el mejor cine fantástico de producción internacional, con películas de autores de primer nivel como David Cronenberg, Leo Carax, Tsui Hark y Jennifer Lynch, entre muchos otros, así lo ha mencionado en rueda de prensa este martes el director del certamen, Àngel Sala. 

La 45ª edición del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 4 al 14 de octubre del 2012 con la sombra de un imaginario Apocalipsis amenazando desde su imagen. Para abrir esta fiesta del cine se ha elegido la producción catalana El Cuerpo, del debutante Oriol Paulo, un thriller psicológico lleno de suspense protagonizado por Belén Rueda, José Coronado, Hugo Silva y Aura Garrido.

SECCIÓN OFICIAL

La Sección Oficial –tanto dentro como fuera de competición–  se podrán ver las últimas apuestas de  David Cronenberg, con Cosmópolis, protagonizada por Robert Pattinson y basada en la novela de Don DeLillo; Leo Carax, con la aclamada Holy Motors, Tsui Hark y su epopeya en 3D Flying Swords of Dragon Gate, y Jennifer Lynch, ganadora del Festival en 2008 y que vuelve con una aterrador relato sobre un serial killertitulado Chained. 

Del cine estadounidense se mencionaron:  Sinister, de Scott Derrickson, en la que Ethan Hawke se enfrenta a un terrorífico caso paranormal,  y de  Sam Raimi The Possesion, dirigida por Ole Bornedal (un habitual en Sitges), y Lovely Molly, la nueva película de Eduardo Sánchez, uno de los creadores de El proyecto de la bruja de Blair (proyectada en Sitges 1999). 

En el apartado de apuestas más atípicas, destacan, Safety no Guaranteed, de Colin Trevorrow, y la  comedia británica Sightseers, de Ben Wheatley (director de la aclamada Kill List), una de las sensaciones de la Sección Quincena de los Realizadores del último Festival de Cannes. 

Se suman otros títulos como The Day, de Douglas Aarniokoski, o el filme de segmentos coreano Doomsday Book, codirigido por Kim Jee-wong (Encontré al diablo) y Yim Pil-Sung (Hansel and Gretel). Nameless Gangster, de Jong-bin Yun, y un auténtico tour de force de su protagonista Choi Min-sik (Old Boy).

SECCIONES PARALELAS

Sección Oficial Panorama

Dedicada a un espectro de género puro y de clara vocación independiente, destacan The Pact, de Nicholas McCarthy, un innovador  e interesante  relato de fantasmas que (que ya pude ver, por cierto), presentada en el festival de Sundance, y también Tower Block, de James Nunny Ronnie Thompson, un film de horror real en torno al asedio al que un francotirador oculto somete a los inquilinos de un bloque de apartamentos.

Sección Nuevas Visiones

Dedicada a apuestas radicales, transgresoras o experimentales, tendrá en su apartado de ficción apuestas del nivel de Keyhole, de  Guy Maddin (un clásico de Sitges), Mystery, de Lou Ye, película que abrió Un Certain Regard en el último Cannes, oFor Love’s Sake, de otro habitual del Festival como es Takashi Miike. En la parte documental, Nuevas visiones presentará trabajos tan prestigiosos como Room 237, de Rodney Ascher, obra que gira en torno al universo sugerido y generado por El resplandor, de Stanley Kubrick.

Casa Asia

 La sección dedicada al cine del continente asiático de género, abrirá sus puertas con Gang of Wasseypur, epopeya criminal india de más de cuatro horas de duración y que marca un hito en el cine de este país. Otros títulos destacados seránAce Atorney, de Takashi Miike, o la esencial película de artes marciales Wu-xia, de Peter Chan.

Anima’t

A parte de la habitual selección de cortometrajes, ofrecerá celebrados largometrajes como The King of Pigs, de Yeun Sang-Ho, visto en la Quincena de Los Realizadores de Cannes; la producción checa Alois Nebel, de Tomás Lunák(ya pude verla), y The Suicide Shop, debut en el cine de animación del prestigioso realizador galo Patrice Leconte, concebida en un espectacular 3D. Además, Anima' t reivindicará la figura del animador japonés Sugii Gisaburo, colaborador íntimo del mítico Osamu Tezuka, presentando la premier de su último título, The Life of Budori Gusuko, así como alguno de sus trabajos previos y un documental sobre su obra.

Sitges Family

Se presentará una  selección del mejor cine fantástico para los más pequeños, como la exitosa producción animada japonesa en 3D Naki on Monster Island, de Takashi Yamakazi.Para los amantes de las emociones más fuertes y noctámbulas, Sitges ha preparado un programa de maratones donde se podrán ver, entre muchas otras películas, Zombie Ass, de Noburo Iguchi, y la británica Cockneys vs. Zombies, de Matthias Hoene.

El director ha remarcado que esto es tan solo un "avance" de la programación, en un año dedicado al apocalipsis y  el homenaje a los 20 años de 'Reservoir Dogs' de Tarantino. 

Fuente: Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2012

Hemel significa cielo en neerlandés, y representa el primer largometraje de Sacha Polak. La cinta ganó el Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional, de la Sección Forum en la Berlinale 2012. La joven directora se encuentra trabajando en su segundo largometraje que llevará por título “Luna”. Habrá que estar atentos a esta realizadora que podría lanzar una especie de trilogía donde el estudio de las relaciones y los sentimientos parecen ser su prioridad. 

HEMEL cuenta la historia de una joven que está dejando atrás su infancia y que, sin darse cuenta, está transformándose en una mujer adulta. Después de la muerte de su madre ella mantiene una relación muy cercada con su padre Gijs, que al igual que su hija debe decidir qué hacer con su vida amorosa. El filme está dividido en 8 fases: Fase Genital, Mohammed, Padre e Hija, Donde Vive Dios, Tú me haces hombre, Enamorado, Sevillana y Té Común.

Cada segmento va desvelando la difícil transición de una mujer que urge de afecto, una necesidad que la lleva a frecuentes encuentros sexuales. Y aunque su promiscuidad llega a extremos peligrosos, su insatisfacción es evidente. El sexo no soluciona todos sus deseos, su desesperación se puede sentir a kilómetros de distancia. La cinta está cargada de escenas sexuales que van desde simples  desnudos hasta depilaciones genitales, seguidas de situaciones realmente incomodas que hace que sintamos vergüenza junto a los personajes. Proyección total del salvajismo y la llamada “normalidad” arcaica de lo que debería representar el acto sexual acaba transformando a un inocente conejo en un feroz y violento tigre. 

Cotidianidades de las que preferimos no hablar, pero que nos acompañan por el resto de nuestra vida. Las nuevas relaciones, y el miedo a fracasar, inconformidades con el cuerpo. Los planos panorámicos nos acercan a Hannah Hoekstra, joven que debuta como actriz y encarna a HEMEL, que con su cuerpo anoréxico y delicada cara, ha establecido  un vínculo casi simbiótico con su padre (Hans Dagelet), tan cercano que inmediatamente se me vino a la mente el complejo de Electra, una relación  bien liberal sin tabús ni reservas, abiertas a todo tipo de temas, las imágenes son bien incestuosas.  Padre- hija tienen una fijación como si se tratara de un trastorno patológico hereditario, reflejado en sus relaciones amorosas. Qué se yo, que nos ayude Freud.

 ¿Un mundo mejor? Es un lugar cercano a la tierra, cercano a nosotros, la misma tierra para ser exactos. Son los deseos carnales y los cargos de conciencia anunciados por la religión,  esos deseos que se reprimen. Una vida sin sabor especial, sin color especial, simpleza sin más. Una mujer totalmente perturbada con un libido elevado que busca el máximo placer, un ser humano con una marcada vulnerabilidad emocional, donde el sexo nos conduce por un espiral de emociones que acaban por definir nuestro destino. En resumen es un estudio psicológico,cinta recomendada y les invito a verla.

Para terminar les dejo una frase dicha por uno de los tantos amantes de Hemel: “Todo se reduce a quien quieres, no a lo que puedes conseguir.”

Calificación: 7/10 

Vacas, caballos y Will Ferrell aparecen en la primera escena, un aire a western pero con música novelesca, seguidamente unos labios rojos y carnosos anuncian el título del filme, es Christina Aguilera cantando La casa de mi padre, (su letra es tan bizarra) mientras corren los originales créditos iniciales  de este proyecto. La cinta está protagonizada por Gael García Bernal, Diego Luna, Pedro Armendáriz Jr. y  Genesis Rodriguez. Se trata del debut como director de Matt Piedmont (habitual guionista de 'Saturday Night Live'). Pues este gringo ha decidido hacer una parodia  del estilo de vida de los mexicanos.  La cinta tuvo su estreno en el Festival de Cine South by Southwest 2012 (SXSW). 

La historia es tan sencilla, que ahora que lo pienso no pasa nada, tomando en cuenta que  se trata de una burla a los argumentos de novelas, el objetivo lo han logrado. La cinta está rodada completamente en español y se la han ingeniado para que tenga un estilo chafa a telenovela. Intentaré contar como va su historia: Armando Alvarez (Will Ferrell) ha vivido y trabajado en el rancho de su padre (la casa de su padre) en México toda su vida, siempre lo han considerado alguien medio tonto, su rancho atraviesa por dificultades pero su progenitor (Pedro Armendáriz Jr) confía que con la llegada de Raul (Diego Luna) su hijo más joven, todo saldrá adelante. Lo que parece un negocio “limpio” resulta ser puro tráfico de drogas y desata una guerra contra el narco mayor, el narco de los narcos mexicanos,  el poderoso Onza (Gael García Bernal). Pero Armando es el único que podrá salvar con valentía el honor de la familia Álvarez y ganar la mano de su verdadero amor, Sonia (Genesis Rodriguez).

El estilo visual es una ¿burla? ¿tributo? a las películas setenteras, situaciones absurdas con bajísimo presupuesto (como notar que es un muñeco de trapo al que arrastran). Alguna que otra situación divertida principalmente del lado musical, comenzando con la cursi letra del opening a cargo de Christina Aguilera y por supuesto las intervenciones de Farrell como en la canción  Yo No Se  (confieso que me divertí mucho escuchando esta parte).

La actuación de Farrell resulta ser como el atractivo casi de circo, un personaje absurdo y extravagante, por el que nos vemos atraídos, sin olvidar que el resto de actores son de alto perfil pero simplemente cumplen su papel sin pasar a más. Eso sí, muy sutilmente se tocan temas muy delicados como la migración y esa marcada discriminación  hacia los mexicanos y los problemas del narcotráfico. En algún momento, -  un encuentro fraternal que debería existir entre todos los latinoamericanos - se manifiesta: Will Ferrell dice: "No todos los mexicanos somos narcotraficantes", a lo que un policía fronterizo contesta: "No todos los americanos somos malos". La verdad es que la película es mala, pero creo que me sacó unas buenas risas, no la defendería pero si les invitaría a verla sin esperar mucho, más que las tonterías a cargo de Will Ferrell.

Pistolas, disparos, sangre, sexo, escorpiones, tigres sabios  y rancheros mexicanos.

Calificación: 3/10 

¿Cómo es que el creador de La conversación (1974), Apocalypse Now(1979) y la trilogía de El Padrino, puede realizar una película tan mala? Coppola ha regresado a un terreno que ya ha pisado desde su ópera prima Dementia 13 (1963) y un resultado agradable con Drácula de Bram Stoker (1992). El guion nace de un sueño que Coppola tuvo en Estambul, mezclado algunas de sus vivencias personales (la muerte de su primer hijo). La historia es sencilla: Hall Baltimore (Val Kilmer), un fracasado escritor de novelas de brujería llega a un pueblo misterioso con algunas historias inconclusas, recibe la invitación del sheriff del pueblo para escribir una novela de vampiros, pero igual que Coppola, el miserable escritor debe soñar para hundirse en las profundidades del pueblo. “Érase una vez un pueblo no muy lejos de la gran ciudad, un pueblo para aquellos que querían ser dejados solos, y así estaban.” Así da inicio Twixt, mientras nos presentan a algunos de los personajes. Una historia absurda, que pudo haber sido realizada por cualquier realizador malo, pero recordemos que se trata de Coppola, el gran Francis Ford Coppola y el director ha dejado mucho que desear con sus últimas producciones, pero suma una mas a su lista de malas películas.

El elenco incluye a un Val Kilmer totalmente aburrido que no transmite nada, un personaje con un tormentoso recuerdo familiar, que sale totalmente sobrando, no aporta nada y es usado como justificación para desarrollo de la historia con intenciones de enganchar con aires de misterio. Elle Fanning (hermana de Dakota Fanning) - a quien pudimos ver en Somewhere (2010) de Sofia Coppola - con un look interesante, encarna a una misteriosa niña que será nuestro dolor de cabeza durante toda la cinta, y que cierra con una escena totalmente pobre. Mientras que Ben Chaplin encarna al mismísimo Edgar Allan Poe, que nos sirve de guía por un lugar donde seguir el tiempo no tiene sentido. Se abusa totalmente de este recurso que no basta con aburrirnos y le apuesta a contarnos parte de la vida real de Poe, totalmente innecesario y hará que nos burlemos de las grandes “coincidencias” acompañadas de algunos clichés.

Instrumentos de tortura absurdos, que le aportan ligeros toques de comedia que funcionan por momentos. Aunque la línea inicial se pierde , esta vez no hay olor a macabro, quizás lo único que pueda rescatar, es su fotografía que cumple- sin alabar mucho- la atmósfera creada está muy bien, los colores inspiran, deseando que anochezca porque es un deleite para la vista, me ha gustado también la banda sonora. Aunque eso no la salvan de entrar en la lista de las peores películas de 2011.

La luna, la niebla, las nubes, el reloj y los árboles, esta vez no son más que adornos para un cuento vampiresco fallido. Pero no me crean mucho, la cinta me mantuvo atrapado más por la curiosidad, la verdad quería comprobar que tan ridículo podría ser el final. Realmente Twixt no parece hecha por Coppola, una verdadera decepción. Yo sinceramente espero no siga con sus intentos de llevar al cine sus sueños, basta con que los escriba o mejor aún, los olvide. No me interesa saber más de los sueños de Francis Ford Coppola, pues se ha traducido en un pesadilla mal contada. 

Calificación: 3/10

El jurado de la edición 2012 del Festival de Annecy, - considerado el certamen de animación más prestigioso del mundo- ha anunciado a los ganadores. De las diez películas en total que formaban la Selección Oficial, ha sido la cinta rumana Crulic-Drumul spre dincolo de Anca Damian, la gran ganadora del Cristal al Largometraje, el máximo reconocimiento del festival. El film fue estrenado mundialmente en el Festival de Locarno 2011, donde optaba al Leopardo de Oro. La cinta narra la historia de Claudiu Crulic, un ciudadano rumano que fue detenido injustamente por las autoridades polacas, el joven decidió protestar con una huelga de hambre que acabó con su vida en enero de 2008. El estilo visual es de lo más destacable, una mezcla de collage, stop-motion, animación tradicional y la fotografía animada, logrando resultado sorprendente (Lee mi reseña aquí).

La producción española Arrugas de Ignacio Ferreras se lleva una Mencion Especial, por su parte la película francesa Couleur de peau: Miel de los realizadores Laurent Boileau y Jung Henin se lleva el Premio del Publico. El cortometraje francés Tram de Michaela Pavlatova se ha llevado el Cristal de Annecy. El festival le apuesta a nuevas tendencias de animación.

Largometrajes

Premio Cristal : Crulic-Drumul spre dincolo", de  Anca DAMIAN 

Mención Especial: "Arrugas" de Ignacio FERRERAS

Premio del público: "Color de piel: miel", de Laurent BOILEAU, Jung HENIN

Cortometrajes

Cristal de Annecy: "Tranvía" de Michaela PAVLATOVA

Premio Especial del Jurado: "Edmond era un burro" de Franck DION

Premio Jean-Luc Xiberras(Ópera Prima): The People Who Never Stop de Florian PIENTO

Mención especial: "Seven Minutes in the Warsaw Ghetto" de Johan OETTINGER

Premio Sacem a mejor música original: "Modern No. 2" de Mirai MIZUE

Premio especial del jurado junior: "História d'Este" de Pascual PÉREZ

Premio del público: "Second Hand" de Isaac KING

Resto de Premios

Televisión

Cristal a la producción TV: "Secret Mountain Fort Awesome "Nightmare Sauce" de Pete BROWNGARDT

Premio especial a la serie TV: "Stella and Sam "Voyage sur la lune" de Dave MERRITT, Ray JAFELICE

Premio al especial de TV: "The Gruffalo's Child" de Johannes WEILAND, Uwe HEIDSCHÖTTER

Películas de encargo

Premio a la película educativa, científica o de empresa: "Le Droit de suite" de Pierre-Emmanuel LYET

Premio a la película publicitaria o promocional: Red Cross "Stuff" de Andrew HALL

Premio al mejor videoclip: We Cut Corners "Pirate's Life" de Przemyslaw ADAMSKI, Katarzyna KIJEK

Películas de fin de estudios

Premio al mejor film de fin de estudios: "The Making of Longbird" de Will ANDERSON

Premio especial del jurado: " Kyrielle" de Boris LABBE

Mención especial: "Le Jardin enchanté" de Viviane KARPP

Premio del jurado junio para un film de final de estudios: "Friendsheep" de Jaime MAESTRO

Otros premios

Premio UNICEF: "Couleur de peau : Miel" de Laurent BOILEAU, Jung HENIN

Premio FIPRESCI: "Tram" de Michaela PAVLATOVA

Premio Canal+ de ayuda a la creación para un cortometraje: "Una furtiva lagrima" de Carlo VOGELE

Festival International du Film d'Animation d'Annecy 2012 

En el verano de 2007 el rumano Claudiu Crulic fue acusado de ladrón, alguien había robado la billetera de un juez y retiró dinero de sus tarjetas de crédito. Sin tener pruebas las autoridades polacas le arrestaron y mantuvieron en una cárcel durante 8 meses, Crulic decidió protestar con una huelga de hambre que acabó con su vida en enero de 2008. Esa historia desgarradora de un hombre abandonado por las autoridades de su país, inspiró a la directora rumana Anca Damian, quien después de su primer largometraje Crossing Dates (2009), realiza un curioso documental recurriendo a varias técnicas de animación. Crulic - Drumul spre dincolo fue estrenado mundialmente en el Festival de Locarno 2011, donde optaba al Leopardo de Oro, el film obtuvo una Mención Especial del Premio Don Quijote.

A sus 33 años, Crulic partió de casa de sus familiares rumbo a Polonia, sin saber que sería su último viaje. El 27 de febrero el tribunal descarto el caso de Crulic debido a su muerte. Su historia - que inicialmente se mantuvo en el anonimato-, llamó la atención de diversas organizaciones de derechos humanos y expuso las deficiencias estructurales del sistema de justicia en Polonia. Tres directivos de hospital de la prisión Montelupich en Cracovia fueron acusados por negar ayuda a una persona en peligro de muerte, así mismo Adrian Cioroianu, dejó el cargo de ministro de Relaciones Exteriores de Rumanía.

El documental hace un repaso de la vida del rumano, su niñez, su adolescencia y su constante rotación familiar. La película incluye personajes y algunos detalles de ficción, pero enriquecen una historia que debido a la ausencia de material recurre a una técnica ingeniosa con grandes resultados. Una mezcla de collage, stop-motion, animación tradicional y la fotografía animada, logrando un resultado sorprendente. Se utilizaron fotografías y papeles que sus familiares  encontraron en su maletín luego de identificar el cadáver. Las imágenes son muy expresivas, algunas surrealistas cargadas de sentimiento acompañadas de una poderosa banda sonora. El actor rumano Vlad Ivanov (4 meses, 3 semanas, 2 días), es quien se encarga de narrar el ciclo de vida de Crulic.

La representación de sus últimas 16 horas en el hospital sin poder moverse ni hablar, recrean el estado de un moribundo, mientras dejaba un registro de todo lo acontecido, sus manos tiemplan, la vista se niebla y su respiración es acelerada, es indicio de que el fin está cerca. Al finalizar una serie de reportajes tomados de noticieros presenta algunas declaraciones de los involucrados del sistema penitencial, donde se defienden manifestando que todo se  hizo todo conforme a la Ley sosteniendo que Crulic  no quiso cooperar con ellos  y como es de esperarse nadie se hace responsable de lo acontecido.

Crulic es artísticamente espectacular y sabe mezclar de manera magistral la comedia con un caso lamentable de un hombre que tomó un camino sin retorno, comer o morir por defender su verdad. El documental me ha convencido y recomiendo verlo.

Calificación:  8/10

Palmarés

Premios del Cine Europeo 2011: Nominada al Premio Discovery (Mejor ópera prima)

Premios de la Academia de Cine de Austria 2011: Mejor película, director, actor, guion, música, edición. 

Para algunas personas, ciertas situaciones que marcan sus vidas no son más que imposiciones, cargadas de impotencia sin oportunidad de elegir el o los caminos a tomar, llevándonos muchas veces a realizar acciones que nos marcarán de por vida. De eso y mucho mas se trata en Atmen, el primer largometraje de Karl Markovics (Los falsificadores, 2007) que deja a un lado la actuación para tomar las riendas como director. La ópera prima del austríaco convenció al jurado de la Quincena de los Realizadores, del Festival de Cannes 2011, alzándose con el Premio Label Europa Cinema. La historia sigue a Roman Kogler, un joven recluso de un centro de detención juvenil,  por un homicidio que cometió en un orfanato. Mientras espera el juicio que podría dejarlo en libertad encuentra pistas de su madre, quien lo abandonó desde su nacimiento.

Con sus escasos 90 minutos, Karl Markovics nos plantea un drama cargado de sensibilidad centrado en  la figura de un menor en rehabilitación con un pasado familiar de ausentismo, poniendo en contexto el encarcelamiento juvenil con un ambiente melancólico y cargado de sobriedad. Un mundo que parece conspirar en contra suya, una persona que sobrelleva el peso de la justicia, una conmovedora historia de resistencia y superación.

Mas inquietante la confrontación creada cuando el joven comienza a trabajar en una funeraria, enfrentándolo de manera directa con sus acciones, logrando un contraste simbólico entre la existencia y el deceso, en una danza que nos lleva por un camino de soledad que acaba por ahogarnos. La muerte nos rodea a diario y nos acerca a un trabajo que no es visiblemente apreciado por la población, la preparación de cadáveres y su ritual, algo similar a lo visto en Okuribito(2008, Yojiro Takita). Se utilizan diferentes circunstancias que recrean el sentimiento de la  liberad, pero siempre acompañadas de señalamientos de una sociedad que juzga directamente,  representaciones tan simples como un pájaro encerrado en un cuarto, atrapado y buscando una salida a su ambiente natural.

A destacar la excelente actuación del Thomas Schubert, que encarna a Roman, una persona solitaria sin ánimos de entablar comunicación verbal con nadie, pero sus miradas dicen todo,  hace que respiremos lento hasta asfixiarnos y de golpe tras golpe tratar de llenarnos de esperanzas y buscar respuestas, muchas de ella cargadas de dolor. En Atmen, he sentido un aire parecido a la sueca Sebbe(Babak Najafi, 2010), un poco de desesperanza y abandono pero con grandes deseos de ver una luz en el túnel. Un tema difícil desarrollado de manera sencilla pero convincente, todo sea para respirar libremente.

Calificación:  7/10

“Me atrevería a decir que los sonidos más diabólicos  se producen, cuando grandes cantidades de hombres deciden forzar la mano de la mortalidad unos sobre otros. E iría más allá en decir que, en tales ocasiones, no se oye solo un sonido, sino muchos.”

Love es la ópera prima de William Eubank un joven cineasta que se ha desempeñado como diseñador de producción y director de comerciales para marcas como Mikasam, Honda y Adidas.

La película es  producida y musicalizada  por el grupo de rock alternativo Angels & Airwaves. En un principio se consideró realizar un documental sobre la grabación de su primer álbum, pero la idea evolucionó. El filme tiene como punto de partida uno de sus discos llamado Love, que es  utilizado como base para la película. 

¿Una película de ciencia ficción y poco dinero? Pues no parece una buena idea, pero con mucho ingenio y las ganas de sacar adelante el proyecto, todo es posible. El realizador utilizó el patio de la casa de sus padres a lo largo de 9 meses para montar todo, desde una  estación espacial, hasta recrear la Guerra Civil.  Utilizaron luces de navidad y cajas de pizza. “La ventana de la estación espacial era en realidad una puerta de la lavadora. Las cajas de herramientas a bordo de la estación espacial fueron adquiridos de The Home Depot y se pintaron de blanco.” – Comenta el director. Y un dato extra que no tiene mucha relevancia pero quiero mencionarlo, la película pensaba ser lanzada el 14 de febrero de 2010(¿hay algo más estúpido que esto?) pero finalmente fue lanzada en noviembre de 2011, arruinándoles sus planes cargados de cursilería ya definidos con el nombre del filme.

Love narra la historia de Lee Miller , interpretado por Gunner Wright (Reciente en J. Edgar de Clint Eastwood) un astronauta que está llevando a cabo una solitaria misión de rutina en la Estación Espacial Internacional, hacia el año 2039. De pronto recibe un mensaje grabado que le advierte de que algo terrible ha pasado en la tierra.

El prólogo de 7 minutos  es impresionante, un conjunto de imágenes y diálogos de corte filosófico inundan la pantalla. Y volvemos a uno de mis temas preferidos del cine: el aislamiento. Si, esas situaciones que en medio de la soledad provocan aburrimiento, desesperación y generalmente terminan en delirio. Es imposible no mencionar algunas similitudes con otros filmes como Moon(Duncan Jones, 2009), o Solaris (Tarkovsky, 1972), y por supuesto la cinta matriz, parteaguas en el cine de ciencia ficción, 2001: Una Odisea del Espacio del maestro Kubrick. Los decorados, la paleta de colores y un toque de existencialidad que se queda como “interesante”, mantienen cercanía pero sin pasar a más.

El problema de Love, comienza con su pretencioso título (a Haneke le perdonamos todo), que luego es conectado directamente con el final seguido de moraleja que me dan ganas de vomitar, pero bueno que le vamos a hacer, ese es el mensaje principal. Algunas entrevistas cortas aparecen en el filme, personajes narrando anécdotas que se supone deben dar fuerza a nuestro héroe, un detalle que detesté por completo. Pero Eubank debe ser elogiado porque contando un reducido presupuesto, ha creado una propuesta interesante, que se pierde tratando de crear algo profundo y mas absurdo dejar espacio para especulación. 

4/10 

Este es mi primer encuentro con el cine salvadoreño, se trata del segundo filme de Victor Ruano, la idea se  desarrolló en conjunto con Rossemberg Rivas y Sarah Walko. Su primer trabajo “Ever Amado”   fue proyectado en varios festivales incluyendo  el Talent Campus del Festival de cine de Berlín 2007, trascendiendo internacionalmente.  

El Cadáver Exquisito utiliza una técnica con una particular estructura heredada del surrealismo que se ejecuta de manera colectiva. El experimento es realizado por partes que parecen inconexas pero que luego van dirigidas a un mismo punto que sirve para dibujar la cotidianidad de la  sociedad salvadoreña, pasando por  temas profundos y filmando otros recursos tan simples como la exploración de un bosque. Los realizadores toman una cámara y han retratado la vida, sin trucos. En ese punto la cinta combina ficción y documental de manera acertada.

Entre volcanes, ríos y la vegetación,  se esconden historias desgarradoras de la guerra, escuadrones de la muerte y pobreza, haciendo un recorrido histórico por la etapa de la guerra civil salvadoreña. 

La cámara nos lleva por frondosos bosques escuchando el canto de los pájaros para luego volar a una típica vivienda centroamericana donde el fervor religioso elabora un estudio moralista de una sociedad tercermundista. “Tres cifras no bastan si quieres llegar al cielo” dice un pastor que con un largo discurso teológico le pone precio al cielo. Sesiones de  pornografía, historias de prostitutas y transexuales, tradiciones ancestrales, migración, discriminación, violencia e impunidad, todo esto a medida que la música se vuelve dramática y provoca tensión para luego embriagarnos con personajes folclóricos de este país. Artesanos que confeccionan con hilos mantas con vivos  colores, tan variados como la población misma.  La vida es un circo y muchos de los personajes filmados encuentran en él un hogar más.

Víctor Ruano realiza una autopsia de El Salvador, con la clara intención de provocarnos y crea un  tapiz de historias que al final forman una sola mezcla de estilos con historias cotidianas.   El Cadáver Exquisito se queda como un experimento atractivo, que pudo ser mejor. 

Música misteriosa, fuego, rostros, calles, árboles y miradas, risas, labios, ojos,  luces, vida y muerte. De esta manera despedazamos y volvemos a coser un cadáver, una sociedad. 

5/10

Palmarés

Festival de Rotterdam 2010: Sección Bright Future

Festival de San Sebastián 2010: Sección Zabaltegui-Nuevos Directores

Festival Internacional de Cine de Valdivia 2010: Premio del público

Festival Internacional de Morelia 2010: Mejor Película

Miami International Film Festival 2011: Premio del Jurado

Festival Latinoamericano de Toulouse 2011: Grand Prix

Las Marimbas del Infierno es el segundo largometraje del cineasta guatemalteco Julio Hernández Cordón, la cinta tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto, recibiendo buenas críticas y cosechando múltiples galardones en los festivales de Morelia, Valdivia, Miami y Toulouse. La película narra la historia de don Alfonso, un músico que toca  la marimba y está siendo extorsionado (un caso muy común en los países centroamericanos), mientras la música tradicional guatemalteca está muriendo, entonces decide aliarse con Blacko (un cantante de Heavy Metal) y Chiquilín (un drogadicto) juntos comienzan la tarea de fusionar la marimba y el metal creando un grupo único: Las marimbas del Infierno.

El filme se inicia con la declaración de don Alfonso Tunche quien nos narra que está siendo amenazado y describe el profundo amor por su marimba, en ese instante un rótulo nos indica que la historia es real. El director lo conoció durante el rodaje de “Gasolina”, su ópera prima (lee la reseña de Gasolina aquí) y decidió contar su historia y la de dos amigo más.

En Guatemala la marimba se decretó como el instrumento nacional, pero el tiempo pasa y mantenerse vigente en el gusto de la población se vuelve una tarea cada vez es más difícil, con una gran cantidad de grupos musicales extranjeros y con los nuevos géneros de “moda”, vienen ser un problema para don Alfonso, un hombre que vive de la música y que ha sido reemplazo por discos compactos que son utilizados en grandes hoteles con un costo menor. Es la encrucijada entre lo tradicional y lo moderno. El músico proyecta humildad y cansancio mientras arrastra el instrumento a donde quiera que vaya en busca de trabajo, por calles solitarias con muros donde abundan los graffitis con denuncias de desaparecidos y presos políticos, el sentir del pueblo.

Blacko (Roberto González) es médico de profesión, fue satánico pero luego se pasó la fe judía ortodoxa. Su apariencia física no inspira confianza a sus clientes quienes huyen despavoridos al enterarse que serán atendidos por él. Un tercer personaje es partícipe de esta historia, se trata de un drogadicto que se escapó de la cárcel, apodado Chiquilín (Víctor Hugo Monterroso) quien presenta a los dos músicos. El director vuelve a trabajar con actores no profesionales con un resultado aceptable. Más interesante resulta que los personajes se encarnan a ellos mismos, son sus historias llevadas al cine.

Tres protagonistas con gustos musicales totalmente diferentes, unidos por el amor a la música, sin trabajo pero con grandes esperanzas buscando una salida a sus problemas en plena crisis económica. Hernández documenta las preocupaciones de su país recurriendo a varias metáforas. En el fondo la cinta es un relato trágico,  es un cine pobre y de denuncia, de esperanzas, sueños prohibidos, de espíritus libres y futuros lejanos. Pero, ¿qué tal suena la mezcla marimba/metal? para los amantes del Avant-garde metal, será una fuente de nuevos sonidos. Les dejo la duda de esta travesura.

El director brinda una mirada cómica sobre los sueños que parecen imposibles, con un híbrido que mezcla documental y ficción donde ir contracorriente está permitido. Película recomendada. 

7/10

El cine guatemalteco ha entrado en una etapa de crecimiento  con un gran  número de producciones cada año, y pasa por un momento muy especial dentro de los principales festivales en el mundo, mismos circuitos que pusieron a Guatemala  en el panorama mundial  con el film El Silencio de Neto(1994,  Luis Argueta) que formó parte de la Selección Oficial del Festival de Sundance 1995, con un largo recorrido por todo el mundo cosechando muchos galardones, convirtiéndose en un clásico de la cinematografía guatemalteca. Una excelente película con un contexto histórico importante y un profundo estudio de la libertar. Dicha cinta la he visto hace dos días y espero hablarles de ella pronto. Hoy repasamos la ópera prima  un joven realizador con mucha creatividad y gran futuro.

Con  tres cortometrajes y dos documentales a sus espaldas, Gasolina es el primer largometraje de ficción de Julio Hernández Cordón, la cinta obtuvo tres premios en el Festival de Cine de San Sebastián 2007, en la sección Cine en Construcción: Premio de la Industria, Premio Casa de América y Premio CICAE. Este premio dotado de 10.000 euros fue para costear la finalización del proyecto.  El joven guatemalteco regresó en 2008 a San Sebastián  donde se alzó con el  premio "Horizontes" a la Mejor Película de la sección latinoamericana. En 2009 se llevó el Premio Especial del Jurado en el BAFICI.

La película nos cuenta la historia de Gerardo, Nano y Raymundo,  tres adolescentes que se dedican a robar gasolina para salir por las noches a dar vueltas sin rumbo en el auto de mamá, seguimos la amistad de adolescentes y el retrato de un país.

Una simple noche de amigos resulta ser un viaje bien estructurado donde la adrenalina y la indiferencia se la juegan para regalarnos una aventura hormonal inolvidable. El director hace que la gasolina sea el líquido para el engranaje entre las situaciones expuestas, un detalle que me gustó mucho.El lenguaje popular guatemalteco bien representado con sus diálogos, el “púchica vos” nos acompañará por todo el metraje. El desarrollo en general de la cinta fue algo improvisado según ha manifestado el director,  destacando su audacia para manejar de forma correcta a sus protagonistas, todos ellos actores no profesionales. Tanto así que el realizador comenta que  eran vecinos de su suegra.

Sale a relucir también la marcada diferencia de clases sociales, pero Gasolina va más allá de la violencia común que impera en Centroamérica, para llegar a otros estratos sociales donde se gesta otro tipo de crueldad, uno más discreto y que suele ser el más peligroso.  “Yo nunca volaría un avión del ejército de guate, dicen que los tornillos los pegan con goma, yo volaría pero Rusos porque los gringos son una mierda.” menciona uno de los jóvenes plasmando una completa desconfianza y  crítica directa al gobierno. Representaciones de autoridad-delincuencia, que en resumidas estamos burlándonos por completo de la Ley  y herramientas con las que cuenta el Estado. Los espacios donde se desarrollan las escenas están casi siempre solos, centrando la atención en estos jóvenes,  que al estilo de Alex y sus drugos (A Clockwork Orange), hacen de las suyas en un país tercermundista. La cinta está cargada  de humor y alguna situación absurda.

Inconformidad,  responsabilidad, amistad y las relaciones padres-hijos en la adolescencia. Un auto sirve de excusa para exponer en cada parada diferentes realidades de la sociedad guatemalteca, todas con olor a gasolina. Película recomendada. 

7/10